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REVIEW | “Manifesto Cannibale” by Francesca Pennini/CollettivO CineticO ENG/ITA

23 agosto 2023 Commenti disabilitati su REVIEW | “Speeed” by Parini Secondo ENG/ITA Views: 605 News, Read, Reviews

REVIEW | “Speeed” by Parini Secondo ENG/ITA

“The curse is the worship of idols,
which at length changes the worshipper into a stone image himself.”
Henry ThoreauA Plea for Captain John Brown (October 30, 1859)

Let’s be up front about it, vexation was our pervading sentiment throughout the performance of Parini Secondo’s SPEEED. Perhaps that was because we had just come from the semi-sublime universe of immobility with Francesca Pennini & CollettivO CineticO’s Urutau; maybe it was down to that overbearing and over-blaring Eurobeat; conceivably it was those two automobiles on display, like blatant, brazen icons from the set of Fast & Furious; maybe it was due to that detached garish wink at the audience from the four performers, replete with insistent, gleaming and devastatingly superficial grins; perhaps because those moves and gestures seem lifted from an all too popular Japanese synchronised dance style (Para-Para), a replaying of all those TV and commercial video clips seen on loop a thousand times; or because they were attired in cheery cheerleaders’ skirts and tops; or perhaps it was being bombarded with this litany of elements simultaneously that SPEEED succeeded in crushing our ardour and, above all, any credible disposition to continue listening/watching the show. Indeed, struck by the vehement reaction that such a ‘harmless spectacle’ (according to many) provoked in us, we started to analyse exactly why. We drew some private reflections from the experience, which we resolved to share publicly, in order to process our minor aesthetic trauma.

 

The function of art

“Art is restoration, the idea to repair the damages that are inflicted in life,
to make something that is fragmented – which is what fear and anxiety does to oneself – to be whole.”
Louis Bourgeois

Although we have no pretension or presumption to write definitive words on the subject, we do feel compelled to recollect one of the tenable functions of art, wonderfully enunciated by the artist Louis Bourgeois above. Art is the ability of making us feel at home, of recomposing our existential fractures, of healing them, of recognising them in order to help us heal from pain and thus allow us to experience beauty as well. The fact that these thoughts had been articulated by an artist so extraordinarily and scandalously free in expressing, narrating and representing contentious themes, including sexuality (e.g., her 1968 sculpture Fillette, MoMA), shields us — we trust — from the charge of moralism or, at least, of bigotry.
We simply found no shelter, no consolation, no refuge in this performance, in which the sonic aggression inebriated us and the trivialisation of the female body floored us, since we sought but could not find — perhaps it’s our age or, more simply, our own blinkers — any justification for this choice, marked by the mere ‘re-enactment’ of a musical genre (Eurobeat) with a dance (Para Para) that did not seem to achieve either a regeneration nor reactivation of the original.

 

Cultural Taylorism

“The erasure of the personality is the fatal accompaniment to
the conditions of existence that is concretely submissive to spectacular norms,
and thus more separated from the possibilities of knowing experiences
that are authentic and thus from the discovery of individual preferences.”
Guy Debord, Comments on the Society of the Spectacle

 

To learn more about Para Para, just Google it and surf through oceans of videos and teasers.
That the internet has become a vast and protean archive of information, including visual documentation, is indisputable. That it can become a source of direct or indirect inspiration for new artistic creations is entirely feasible. However, the value of its subject matter is disputable. With the breadth of all available content, why the Para Para dance was selected over so many other possibilities does raises questions. For example, what was the criterion that guided this choice? Perhaps that of bearing witness to a world in decline, relentlessly attached to a Taylorist vision of ‘scientific management’, not only for the production of cars (from Ford to Toyota) but also of art? Perhaps the desire to document the cultural persistence, even in the world of youth, of the idolatry of speed, understood as the key to efficiency, social success and personal fulfilment? Or perhaps the myth of serialisation and standardisation of the feminine as a form of emancipation from marginalisation?

Efficiency versus resilience

“The apostles of the gospel of efficiency
subordinated the aesthetic to the utilitarian.”
Samuel P. Hays, Conservation and the Gospel of Efficiency

What disturbs the writer is, in fact, the choice to sanction a cultural model from which many are now trying to take leave.
“The rhetoric of efficiency in the early decades of the 20th century,” as the US economist Jeremy Rifkin writes in The Age of Resilience, “became a convenient tool to sidestep fundamental questions around issues of fairness, gender and racial equality, political disenfranchisement, morality, and even humankind’s responsibility for the natural world. Efficiency was extolled as a neutral force“.
“Efficiency – Rifkin continues — is about eliminating the friction, a code word for getting rid of redundancies that might slow the speed and optimization of economic activity”.
Speculatively, the aesthetic rhetoric of speed and, above all, of the standardisation of cultural reference models has to do with the elimination of cultural diversity, which could reduce the rapidity of the taking root and consolidation of this aesthetic. An aesthetic that relegates the feminine to the role of an anonymous and futile other, depersonalised and subjugated to the cult of the masculine and its (pre-)power.

Gamification versus playfulness

One of the side effects of this reifying aesthetic is the alienating convergence of Western and Asian cultural models: if we had not gleaned from the show programme that this was an exotic dance, we would have discreetly assumed that this dance had been transposed from a local discotheque, rather from a Tokyo nightclub.
The beauty of the ‘playfulness’ abounding in a number of the other shows during this edition of BMotion Danza 2023 was here, in contrast, swamped by ‘gamification’ — a term derived from game and gaming yet with an opposite meaning to play and playfulness.
SPEEED delights on the roaring car engines on stage; it revels on showing sexuality as something harmless, tame because it is conformist (the males on stage just lean against the car bonnets right the way through), neutralising the individualities of the performers on stage and suffocating any élan vital under the guise of a perpetual, excited yet inconclusive enthusiasm. It plays on ‘the glaze of nothingness’ and devours the audience, turning the spectator into pure surface.

Anna Trevisan

English translation by Jim Sunderland

Photos by Riccardo Panozzo

Cover image: Secondo Parini Archive

 


TESTO ITALIANO | Recensione. “Speeed” di Parini Secondo

La maledizione è il culto dell’idolo, che alla fine muta
lo stesso adoratore in un’immagine di pietra.”
Henry Thoreau, Apologia per John Brown (30 Ottobre 1859)

Lo ammettiamo. Un sentimento di irritazione ci ha pervaso durante la performance SPEEED di Parini Secondo. Forse perché arrivavamo dall’esperienza pressoché perfetta dell’immobilità di Urutau Extinction Party di Francesca Pennini/ CollettivO CineticO; forse per quel soverchiante rimbombo della musica Eurobeat; forse per quelle due automobili, parcheggiate come plateali e sfrontate icone di una scenografia alla “Fast & Furious”; forse per quell’ammiccare neutro e “glitterato” delle quattro performer al pubblico, con un sorriso incalzante, smagliante, performante, annientante; forse per quei gesti e quelle mosse mutuati da un popolare ballo giapponese (il Para Para) che ricordano terribilmente quelli già visti e rivisti migliaia di volte nei video-clip alla TV; forse per il fatto che le artiste erano vestite con gonnelline e T-shirt che richiamavano l’abbigliamento delle ragazze pon-pon (applaudito coro delle perfomance sportive maschili); forse per tutti questi elementi insieme la performance SPEEED è riuscita ad appiattire ogni nostro entusiasmo e, soprattutto qualsiasi ragionevole desiderio di continuare ad ascoltare/guardare lo spettacolo. Effettivamente colpiti dalla reazione che un “innocuo spettacolo” – a detta di molti- ci ha suscitato, ci siamo chiesti il perché. Ne abbiamo tratto delle riflessioni private, che abbiamo deciso di condividere pubblicamente, per elaborare il nostro piccolo trauma estetico.

La funzione dell’arte

“L’arte è ‘restauro’: l’idea è riparare i danni che vengono inflitti nella vita, fare di qualcosa che è frammentato – che è ciò che la paura e l’ansia fanno alla persona- un qualcosa di intero.”

Louise Bourgeois

Pur non avendo nessuna pretesa né presunzione di scrivere parole definitive in proposito, sentiamo però la necessità di ricordare una delle funzioni possibili dell’arte, meravigliosamente enunciata dall’artista Louis Bourgeois: l’arte è riparazione, restauro, ricomposizione di ferite, di lesioni, di traumi che tutti noi nel corso dell’esistenza incontriamo, sperimentiamo, viviamo. L’arte è l’arte di farci sentire a casa, di ricomporre le nostre fratture esistenziali, di curarle, di riconoscerle per aiutarci a guarire dal dolore e permetterci di fare esperienza anche della bellezza. Che questa frase sia stata pronunciata da un’artista così straordinariamente e scandalosamente libera nell’esprimere, raccontare e rappresentare tematiche forti, anche legate alla sessualità (una per tutte la sua scultura Fillette del 1968, conservata al Museum of Modern Art di New York) ci mette al riparo -speriamo- dal sospetto di moralismo o, quantomeno, da quello di bigottismo.
Nessun riparo, nessuna consolazione, nessun rifugio abbiamo trovato in questa performance, dove l’aggressione sonora ci ha inebetito e la banalizzazione del corpo femminile ci ha abbattuto, non essendo riusciti a trovare -forse a causa dei nostri limiti anagrafici o, più semplicemente, personali- una giustificazione di questa scelta, improntata ad una sorta di ‘re-enactement’ di un genere musicale (l’Eurobeat) e di ballo (Para Para) che non ci sembra però sia riuscito a rigenerare né a riattivare l’originale. .

Taylorismo culturale

“La cancellazione della personalità accompagna fatalmente
le condizioni dell’esistenza sottomessa concretamente alle norme spettacolari,
e in tal modo è sempre più separata dalla possibilità di conoscere
esperienze autentiche, scoprendo così le sue preferenze individuali.”
Guy Debord, Commentari a La società dello spettacolo

 

Per saperne di più sul Para para, basta cercare su Google “Para Para” e surfare tra decine di video e teaser di questo ballo.
Che internet sia diventato un gigantesco e proteiforme archivio di informazioni, anche visive, è innegabile. Che questo possa diventare fonte di ispirazione diretta o indiretta di nuove creazioni artistiche è possibile. Che il valore dei suoi contenuti sia assoluto, è contestabile. Che di tutti i contenuti disponibili sia stato scelto esattamente questo – il ballo Para Para- preferendolo a moltissimi altri, ci pone delle domande. Ad esempio, quale sia stato il criterio che ha guidato questa scelta. Forse il suo valore testimoniale di un mondo in declino, ferocemente attaccato ad una visione taylorstica della produzione, non solo delle automobili (dalla Ford alla Toyota) ma anche artistica? Forse il voler documentare la persistenza culturale, anche nel mondo giovanile, dell’idolatria della velocità, intesa come chiave dell’efficienza, del successo sociale, della realizzazione personale? Forse il mito della serializzazione e della standardizzazione del femminile come forma di emancipazione dalla marginalizzazione?

Efficienza versus resilienza

“Gli apostoli del Vangelo dell’efficienza subordinavano

l’aspetto estetico a quello utilitario.”

Samuel P. Hays, Conservation and the Gospel of Efficiency

A disturbare chi scrive è, in effetti, la scelta di sdoganare un modello culturale dal quale in molti stanno cercando di prendere congedo.

“La retorica dell’efficienza nei primi decenni del XX secolo”- come scrive l’economista statunitense Jeremy Rifkin in L’Età della Resilienza – divenne un comodo espediente per schivare interrogativi fondamentali in merito a questioni di equità, di uguaglianza di genere e razziale, di privazione dei diritti politici, di moralità e persino di responsabilità del genere umano per il mondo naturale. L’efficienza fu esaltata come forza neutrale”.

“L’efficienza – prosegue Rifkin- ha che fare con l’eliminazione dell’attrito, un termine in codice che sta per abolizione delle ridondanze che potrebbero ridurre la rapidità e l’ottimizzazione dell’attività economica”.
Specularmente, la retorica estetica della velocità e, soprattutto, della standardizzazione dei modelli culturali di riferimento ha a che fare con l’eliminazione delle diversità culturali, che potrebbero ridurre la rapidità di attecchimento o il consolidamento di questa estetica. Un’estetica che relega il femminile nel ruolo di anonima e inutile comparsa, spersonalizzata e sottomessa al culto del maschile e della sua (pre-) potenza.

Gamification versus playfulness

Uno degli effetti collaterali di questa retorica estetica della velocità è la straniante convergenza tra il modello culturale occidentale e quello asiatico: se non avessimo appreso dal programma di sala che si trattava di un ballo esotico, avremmo tranquillamente concluso che si trattava di un ballo fuoriuscito non da qualche night-club di Tokio ma da qualche discoteca nostrana.

La bellezza della ‘giocosità’ sperimentata in molti degli altri spettacoli proposti in quest’edizione di BMotion Danza 2023 qui è stata soverchiata dalla gamification, che del gioco è una deriva ma in direzione opposta e contraria.
“Speeed” gioca a far scaldare i ruggenti motori delle automobili in scena; gioca a mostrare la sessualità come qualcosa di innocuo perché conformista (i maschi in scena restano appoggiati per tutto il tempo al cofano delle macchine), neutralizzando le individualità delle performer in scena e soffocando qualsiasi élan vital sotto la maschera di un perenne, inconcludente ed eccitato entusiasmo. Gioca “sullo smalto del nulla” e divora il pubblico trasformandolo in pura superficie.

Anna Trevisan

Foto di Riccardo Panozzo

Immagine di copertina: foto di archivio/Parini Secondo

 

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